Arte Sonoro

Hola  a todos hoy os mostramos el espectáculo escénico en el que estamos trabajando para la nueva temporada, cumple con muchas de las premisas de nuestra propuesta es interdisciplinar, combina música y pintura, es original y contiene una puesta en escena impactante e impecable en el aspecto técnico-sonoro. Si hablamos más detenidamente del espectáculo podemos basarlo en tres pilares fundamentales:

Aspecto teórico, es la parte más intelectual del proyecto y la que fundamenta la unión entre música y pintura.

  • Sinestesia: Es un fenómeno que parte de las sensaciones subjetivas que tiene un individuo de manera personal y a las que no se le pueden atribuir reglas, por esta razón sistematizar estudios y clasificar tipos, es una tarea complicada y que levanta mucha controversia.  

    La sinestesia al contrario que la anestesia (ausencia de sensaciones) se refiere a un fenómeno de "unión de sensaciones". Esto se traduce en que algunas personas experimentan sentidos mezclados. Scriabin y Korsakov llegaron a realizar un circulo en el que asociaban un color a cada una de las notas de la escala musical.

Aspecto Musical, el repertorio esta cuidadosamente elegido con obras para dúo de saxofón en las que el instrumento se entiende en plural por la combinación de prácticamente todos los miembros de la familia.

  • Estética vanguardista: Los compositores elegidos son François Rossé, Juan Pedro Saura, Jacob TV, Marc Mellits, Stochausen, Christian Lauba...todos con la misma idea de composiciones originales para saxofón y con estética de vanguardia. La búsqueda de un lenguaje ideomatico propio para el instrumento que permitan la evolución del repertorio por la combinación de grafías y las técnicas que se derivan de ellas, es otro de los aspectos que fundamentan este proyecto.

Aspecto Pictórico, la creación pictórica de los lienzos que se realizan durante el espectáculo están plenamente relacionados con las sonoridades de las obras elegidas en cuanto a color y ritmo pictórico se refiere.

  • Naroa Armendariz, es la creadora pictórica que colabora con nosotros en la performance, ella vive el arte bajo dos premisa que Oteiza expreso por medio de las siguientes frases: "El arte es el puente para otro tipo de madurez mucho más importante, la madurez moral para la vida con los demás" y "Soy un hombre violente al que el arte ha salvado"...la artista piensa que educar la mente y aportar soluciones creativas es ideal para solucionar los problemas que rodean el día a día de las personas. La colaboración con Proyecto Hélade se fundamenta en mostrar el proceso de creación pictórico y no su resultado final.

A continuación os dejamos un pequeño vídeo promocional del espectáculo en el que se muestra la propuesta con pequeñas entrevistas, fragmentos musicales y partes pictóricas del espectáculo escénico.








CON LA MÚSICA TAMBIÉN PODEMOS SER GENEROSOS

Hola a todos,

en épocas difíciles como la que vivimos actualmente, la crisis implica vivir momentos de escasez y en muchas ocasiones las dificultades económicas, nos llevan a dejar de lado u olvidarnos de uno de los valores más importantes que tenemos como seres humanos que somos: LA GENEROSIDAD.

Ser generoso es dar o compartir con los demás algo que para nosotros es útil o valioso, sin esperar nada a cambio. Puede ser un objeto, un sentimiento o... ¿por qué no, música?

Llevamos tiempo pensando y dando forma a un proyecto de colaboración con una ONG y hoy, con motivo del concurso de post solidarios de la Fundación Mutua Madrileña os vamos a hablar de algunas ONG relacionadas con la música y de cómo siendo músicos hay muchas maneras de colaborar con una organización sin ánimo de lucro.

La música es un lenguaje universal y todo el mundo la puede escuchar y disfrutar, creernos cuando os decimos que no tiene precio ver la cara de felicidad de los niños en los conciertos pedagógicos, o de los ancianos que están terminando sus días en una residencia cuando les tocas un pasodoble. 

NO ES SOLO MÚSICA es una ONG musical afincada en Sevilla, que desarrolla su labor solidaria en colegios, residencias de ancianos y hospitales. Llevando a los más desfavorecidos alegría y un mensaje positivo de la mano del cuarteto de trombones Zaratrusta o el cuarteto de flautas Syrinx, entre otros muchos colaboradores como artistas circenses o magos.

MUSICA DE IDA Y VUELTA es una asociación cultural que trabaja en Madrid desde el año 2007. Realizan una labor de integración social fantástica, con un coro que ha llegado a albergar integrantes de 18 nacionalidades diferentes.

Uno de los proyectos que más nos ha gustado ha sido el BiV. Es un Banco de Tiempo; un banco donde no hay dinero, como su nombre indica la moneda de cambio es el tiempo y consiste en invertir horas de tu tiempo ofreciendo una actividad a cambio de horas de otros servicios que se puedan necesitar.

Como artistas que somos, podemos realizar diferentes tipos de colaboraciones para fundaciones, ONG, asociaciones sin animo de lucro, etc. No es necesario ser una superestrella mediática para poder ayudar a recaudar fondos a una fundación...

Aquí os dejamos algunos ejemplos de posibles actividades que podéis realizar u organizar para ayudar:

- Conciertos benéficos.

- Conciertos pedagógicos en colegios, residencias u hospitales.

- Talleres musicales para niños.

- Grabar un Cd casero y ofrecerlo para su venta en mercadillos solidarios.

- Voluntariado Online: 

  •   Ofrecer música para una página web de una ONG, Fundación, Asociación, etc...
  •   Difusión a través de vuestros blogs o redes sociales de las campañas de recaudación que organicen las ONG.

La generosidad requiere que actuemos de forma desinteresada y no porque vayamos a obtener nada a cambio. Si te decides a colaborar con alguna organización de este tipo, hazlo con cariño y convencimiento, no pidas de regreso lo que has dado. Una vez que lo das, ya no es tuyo.

¿Que os ha parecido el tema de hoy? Comentar en el blog y en nuestras redes sociales, queremos leer vuestras experiencias solidarias :)

Ciclo de grandes Solistas: Maurice André

Hola a todos este jueves volvemos con una de las grandes figuras del siglo XX como solista. 


Tuvo una infancia difícil y humilde, no podemos olvidar que este genio de la trompeta alternaba sus lecciones musicales de su padre, con el trabajo en la mina. Según algunas fuentes, a los 18 años, aquejado de una enfermedad pulmonar, consigue entrar en una banda militar donde obtiene una beca para estudiar en el conservatorio de París. A raíz del trabajo y el esfuerzo en el conservatorio, comenzó una carrera de éxitos que le llevo a ganar los concursos Internacionales más prestigiosos de la época y a convertirse, para nosotros sin duda, en la figura más importante de la trompeta del siglo XX. Grabo con los sellos discográficos, los directores y las orquestas más importantes del mundo. 

Su gran logro fue elevar la categoría del instrumento, introduciendo el piccolo en el trabajo del repertorio Barroco e invito a muchos compositores a componer para el instrumento. Maurice André decía: "La trompeta es un instrumento difícil, suscita reacciones ambivalentes; ha tenido un uso guerrero, el sabor del triunfo y del desfile, con orígenes bíblicos en las imágenes del Apocalípsis, pero ademas sabe hacer bailar a las chicas en las fiestas populares."   

La calidad de su sonido y su musicalidad eran deslumbrantes. Convirtió la trompeta en un instrumento concertista, hizo que el mundo y la consideración de la trompeta cambiaran radicalmente. Quizás lo único que se puede echar en falta y no seremos nosotros quien lo critiquemos es su falta de compromiso por el desarrollo de la trompeta en la búsqueda de lenguajes y grafías de vanguardia, de echo su compromiso con la música contemporánea fue inexistente, decía de ella que era un "ruido que le recordaba demasiado a la mina". Los pensamientos son libres y cuando vienen de interpretes con ese talento en el que su figura trasciende por encima de la propia música, solo debemos aprender e intentar conseguir esas interpretaciones en los estilos con las cuales nos sintamos más identificados o toquemos habitualmente, tenemos que conseguir que la música viva y hable como él conseguía hacer.

Aquí os dejamos un vídeo muy conocido del "Concierto" de Haydn, donde plasma excepcionalmente bien, lo anteriormente descrito de su calidad sonora, fraseo, dicción y su talento para interpretar.  





La próxima semana volveremos con otro vídeo y otra historia, con la cuál intentaremos aportar algo a vuestro conocimiento cultural y musical.

LA MEMORIA

Hola a todos,
el post de este lunes trata sobre la memoria y el proceso de memorización, esperamos que os resulte de utilidad.

La memoria podría definirse como la capacidad para almacenar, retener y recordar información que posteriormente podemos recuperar y utilizar. Esta constituye la espina dorsal de la mente del ser humano, ya que los recuerdos determinan nuestra personalidad y condicionan nuestra vida; así el hipocampo, que es la parte básica del cerebro cuya función es generar la memoria y el aprendizaje (memoria a largo plazo) es de gran importancia para el aprendizaje y la memoria explícita, la relativa a todo lo que puede ser descrito verbalmente o de forma consciente por la persona.



Las técnicas de memorización estimulan y desarrollan la imaginación y las emociones: el hemisferio derecho procesa la información visual y el izquierdo la verbal, y la capacidad para recordar imágenes es mayor que la de retener palabras; además la memoria sensorial percibe los estímulos, los selecciona pasando la información interesante a la memoria a corto plazo (esta no puede retener mas de 7 ítems a la vez).

La memoria constituye un proceso creativo producto vivo del deseo, la atención, la visión y la conciencia; de este modo solo comprendemos aquello a lo que prestamos atención, y prestamos atención a lo que queremos; por eso, si la memoria falla es porque algún eslabón de esta cadena se ha roto.

La memorización de un fragmento musical pasa por 4 etapas:

1.- Impresión: que si es fuerte y clara favorece la percepción, que, debido a ello, resultará más profunda. (Equivale a la imagen)

2.- Percepción: que será más eficiente cuanto más fuerte sea la impresión, como resultante de una atención profunda. (Equivale a la toma de la imagen)

3.- Comprensión: que será mayor cuanta más información se tenga a todos los niveles culturales. (Equivale al revelado de la imagen)

4.- Retención: que será mas duradera cuanto mejor clasificada esté la imagen. (Sería el archivo de la imagen)

Para memorizar musicalmente, utilizamos los siguientes métodos de memorización:

Intelectual:
- Análisis musical: estilo y carácter
- Análisis del lenguaje: rítmico, melódico y armónico

Mecánico:
- Táctil y digitación
La memoria táctil ayuda a realizar digitaciones sin pensar en ellas. Cuanto más difícil es un pasaje más hay que trabajar este método, porque te permite automatizar los movimientos necesarios y tocar con precisión y a la velocidad requerida.

Emocional:
- Expresión musical (carácter de la obra, pasajes o secciones) y estados emocionales del interprete.

Auditiva:
- Afinación y línea melódica.

Visual:
- Asociación de signos con digitación o estímulos propioceptivos (como por ejemplo la manera de usar la lengua en diferentes tipos de emisiones como slap o stacatto)

La memoria musical es imprescindible para la interiorización de la obra a interpretar. Es difícil conseguir un funcionamiento fluido de la misma debido a los múltiples factores que intervienen en ella, así como las diversas características que posee. Sin embargo, cuando se consiguen dominar todos los métodos de memorización encauzándolos hacia el mismo fin (que es la interpretación de la obra musical), se convierte en una parte fundamental para el proceso creativo, lo cual facilita el aprendizaje musical.

¿Os cuesta memorizar las obras? ¿Os sentís más seguros con la partitura o sin ella? Nos gustará leer vuestros comentarios y reflexiones sobre el tema, ya sabéis que podéis dejarnos cualquier comentario aquí en el blog o en las redes sociales. Un abrazo y... ¡nos vemos el próximo jueves!


Beatbox: ¿Instrumento universal o elemento del hip hop?

Hola a todos, hoy en el vídeo de los jueves vamos incluir un poco de polémica, además de intentar divertir y ayudar a conocer el BeatBox.

¿Que es?

Es la habilidad de imitar sonidos con la boca, principalmente cajas de ritmos. Aunque tambien se usa como base rítmica para improvisar rap en la calle. Es considerado por muchos el quinto elemento del Hip Hop, aunque otros lo consideran un instrumento universal sin estilos adheridos.

La idea del mismo es crear desde algo simple como beats, rhytms, y melodías, hasta imitaciones de instrumentos musicales, efectos especiales o scratching, entre otros, pudiendo crear hasta canciones estructuradas con diversos patrones rítmicos y/o melódicos.

Estilos

Dentro del genero del Beatbox, existen diferentes estilos:

Freestyle: Improvisación como su propio nombre indica.

Covers: versiones de temas conocidos. Las técnicas típicas del covering es hacer el ritmo mientras se canta a la vez.

Layer: Multipista consiste en grabar varias capas de sonidos y reproducirlas al mismo tiempo, dedicando una a la batería otra al bajo y una última a la melodía.

Scratch: Es específicamente vocal y mediante el habla se imita el zigzag de los vinilos cuando se mueven hacia adelante y hacia atrás.

Historia

En su origen fue un estilo callejero, propio de la old school. En los barrios pobres de Nueva York no habían radiocassetes, ya que además de ser caros, eran pesados. Como alternativa surgió el beat box,
habilidad que permitía hacer una base en cualquier lugar y en cualquier momento.

El beat box se da a conocer y crece rápidamente en importancia y gana fama gracias a 3 personajes principales: Darren 'Buffy' Robinson, Doug E Fresh y Biz Markie.

Podéis escuchar sus diferentes estilos buscando estos temas:

"The Fat Boys" con "Buffy".
"Pass the Budda" con Doug E Fresh
"The Biz Never Sleeps" con Biz Markie

Actualmente, es un estilo que tiene multitud de posibilidades incluso compositores de vanguardia lo introducen como recurso y componen para formaciones que incluyen beatboxer, o persona que trabaja esta "técnica instrumental" dentro de las agrupaciones.

A continuación os dejo un vídeo de Tom Thum, en una de sus charlas para TEDx. A nosotros nos ha resultado impresionante. ¿Vosotros que opináis?, un saludo y hasta la próxima semana amigos.





¿SOMOS UNOS MUERTOS DE HAMBRE?

Hola a todos,
sabemos que es Lunes y hoy no toca vídeo, pero tras ver la reflexión que hace el actor Elio González sobre la figura del artista y su mundo, no podíamos retrasar ni un día más esta entrada...
Según Elio el artista no es que quiera ser artista, si no que simplemente necesita ser así, de la misma manera que otras personas necesitan otras cosas.

Según la RAE la palabra artista tiene 6 acepciones, esta es una de ellas "persona dotada de la virtud y disposición necesaria para alguna de las Bellas Artes".
¡¿Que o cual es esa virtud o disposición?! Para nosotros el arte va intrínseco en el ser humano, el problema es que ya desde nuestra infancia se nos hace prescindir de los instintos creativos, porque la jerarquía en nuestro sistema escolar determina que las matemáticas son importantes y por el contrario plástica y música son "asignaturas María" ¿o acaso alguno de vosotros no ha escuchado esto, tanto en el colegio como en el instituto?

La vida del artista no es fácil, en serio, no lo es... ya en el colegio te inculcan lo anteriormente dicho y si uno hace caso omiso y mantiene una mente creativa o aplica un razonamiento más original que el estandarizado, terminan tachándote de raro... Y una vez que terminas el instituto y das la noticia de que vas a estudiar Música, Bellas Artes o Arte Dramático por ejemplo, hay que soportar las siguientes contestaciones:
- Aaaaah! Pero... ¿y que más? 
- Aaaaah! Pero... ¿de eso se puede vivir?
- Aaaaah! Pero... ¿no vas a ir a la universidad?

En algún momento de su vida, el artista escuchará comentarios despectivos... Y sentirá una rabia que sabrá canalizar hacia su vertiente más creativa, porque tras reflexionar, esos comentarios no tienen ninguna importancia porque quienes hablan no son las personas que dicen esas palabras, si no su propia ignorancia.

Esas personas no saben el gran esfuerzo que supone descifrar una partitura, la cantidad de horas que lleva montarla, el desgaste mental para ver la pieza desde diferentes perspectivas, etc... porque eso no se puede medir con un peso para saber a cuantos Kg equivale o con un metro para saber que distancia hemos recorrido. Ellos nunca se cuestionan a si mismos porque su trabajo quizás solo consista en darle siempre al mismo botón.

Ser artista para nosotros es sentir, observar el mundo, crear algo (que necesariamente no tiene que ser bello, porque lo que puede ser hermoso para nosotros a lo mejor no lo es para los demás). Es verdad que ser artista implica tener una inestabilidad económica, pero se puede estar alerta para encontrar oportunidades como concursos, becas, colaboraciones, residencias, mecenas... Sí se puede vivir del arte; aunque hay que ser conscientes de que el artista tiene que realizar y encargarse de las tareas administrativas y comerciales.

Si como dice Elio a efectos sociales ser artista significa "ser unos muertos de hambre", ¡ok! somos unos muertos de hambre orgullosos y además felices de serlo.




Nos encantaría que comentaseis sobre el tema aquí en el blog o en las redes sociales, para conocer vuestro punto de vista, si ya conocíais este vídeo u otro artículo que tratase sobre este tema.

¡El jueves más! Un abrazo a todos.

Ciclo de grandes directores 1# Sergiu Celibidache

Hola a todos, 
ya estamos de vuelta y volvemos con proyectos ambiciosos a todos los niveles. A nivel musical con nuestros conciertos y grabaciones y a nivel divulgativo e intelectual, a través de una mayor frecuencia y difusión de nuestros post.

En "el vídeo de los jueves" comenzaremos con un ciclo de grandes directores y otro de grandes solistas. El planteamiento de estos ciclos estará enfocado a la elección de una figura con gran influencia en el panorama musical.

Iniciamos el ciclo con:


El director rumano es un mito de la dirección de orquesta con una vida apasionante desde su nacimiento en 1912. Su formación la completo en Alemania, donde llego en 1936 a la Hochschule de Berlin. En 1945 se hace cargo del grupo sinfónico más prestigioso de Alemania la Filarmonica de Berlin, sucediendo a Furtwängler, debido a los problemas políticos de este ultimo. Años más tarde volvió y compartió titularidad con él, hasta que finalmente Herbert von Karajan se hizo cargo de la orquesta, no sin contar con la ayuda de Furtwängler para su ascenso. Este no perdono a Celibidache el gran éxito que obtuvo en su ausencia. 

Lo que podemos destacar del gran maestro es que tenia una personalidad fuerte, independiente e incluso provocadora, esto le acarreo algún problema y que en su carrera fuera una persona muy independiente. Era tremendamente crítico con las grabaciones, para él, eran puro negocio y prefería siempre escuchar música en vivo. Opinaba sin tapujos de músicos y directores. Era una persona heterodoxa, siempre en contra del dogma, amaba los tiempos lentos y su técnica trascendía las notas, exploraba lo más oculto y profundo de la música. 

La personalidad de nuestro personaje hacia que no se llevara bien con otros compatriotas, de Karajan decía: "que era elegante pero superficial" y lo comparaba con la Coca Cola, además no compartía para nada la visión del "business" que tenia Karajan sobre el negocio de las grabaciones. Detestaba las orquestas estadounidenses; para él "no tenian personalidad", de Solti decía que era "un gran pianista y un buen músico, pero no un director de orquesta" y de Mutti habla de un talento excepcional pero con un problema, su ignorancia.

Es considerado uno de los mejores maestros de la dirección orquestal, ademas dirigió grandes orquestas como la Filarmonica de Estocolmo y Munich, Orquesta Nacional de España y fue director invitado de la RTVE, donde siempre demostró su carisma y talento.

Para despedirnos hasta nuestro próximo articulo del ciclo de grandes directores, os dejamos una pequeña joya del maestro. A pesar de no ser amante de las grabaciones, aquí nos brindan la oportunidad de disfrutar de un vídeo maravilloso del 2º movimiento de la Sinfonía Nº 8 de Bruckner con la Filarmonica de Munich en el Suntory Hall de Japón.





¡Hasta el próximo lunes amigos!

Volver al trabajo... ¡LA IMPORTANCIA DE LA PLANIFICACIÓN

Hola amigos,
¿Que tal el verano? Nosotros, tras este paréntesis vacacional retomamos el blog. Regresamos con nuevos proyectos, ilusiones y expectativas que esperamos funcionen en esta nueva etapa.

Y que mejor manera que dar unos pequeños consejos para superar la DEPRESIÓN POST VACACIONAL.

El estrés post vacacional es un síndrome que experimentan muchas personas una vez que finalizan sus vacaciones y se incorporan al trabajo; aunque psicólogos y psiquiatras no se ponen de acuerdo sobre si debe considerarse como tal, lo cierto es, que puede presentar unos síntomas muy parecidos a los de una depresión clínica: apatía, desanimo, irritabilidad...

Personalmente creemos que esto es debido al cambio de horarios y de las horas de sueño. Pasamos de los días de ocio, a la responsabilidad y una larga jornada de trabajo o estudio. Pero, si lo piensas bien:




La planificación ayuda a mejorar las tomas de decisiones. Al planificar, lo que hacemos es organizar de manera coherente lo que queremos lograr. Los músicos muchas veces caen en el error de improvisar su estudio, hay que decidir QUÉ estudiar, PARA QUE lo vamos a estudiar y (lo más importante de todo) COMO se puede lograr de la mejor manera posible.

Tenemos que organizar nuestros objetivos en función de las dificultades que planteen las obras y llevar a cabo acciones que nos hagan superar esas dificultades.

¿Os cuesta volver al trabajo? Os animamos a que os diseñeis vuestra propia agenda con estrategias especificas para tener un buen comienzo de curso.

¡Nos vemos el jueves!



¿Que es el Flashmob?


Hola a todos en nuestro vídeo de los jueves, hoy os presentamos, dos intervenciones artísticas en espacios urbanos y os explicamos una tendencia bastante conocida en la actualidad el flashmob o "multitud instantánea".

Hay algunas ocasiones en que la actuación musical es fácilmente percibida como algo extraordinario (en su sentido literal de fuera de lo ordinario, de lo cotidiano) por reunir una serie de características entre las cuales no siempre la excelencia artística es la principal.

Y aunque muchos intérpretes callejeros tengan indudable talento y técnica, por lo general las prisas en los desplazamientos urbanos impiden que el público se detenga a degustar su arte. Así ocurrió con el célebre violinista Joshua Bell, que tocó de incógnito durante tres cuartos de hora su valioso Stradivarius en una estación de metro de Washington, como parte de un experimento del diario The Washington Post.




Desde hace unos pocos años ha proliferado el fenómeno del flashmob o “multitud instantánea”, una acción organizada que consiste en que un grupo de personas (cuantos más, mejor) frecuentemente convocadas por redes sociales y a menudo sin conocerse entre sí, se reúne en un espacio público (una plaza, una estación de tren, un centro comercial…) y realiza un acto colectivo inusual para dispersarse después rápidamente. Las actuaciones van desde congelar el movimiento a realizar una batalla de almohadas o una coreografía. El flashmob original tiene un sentido exclusivamente lúdico, si bien ahora es frecuente que se realice con fines reivindicativos o incluso publicitarios.





Si bien en estas actuaciones musicales de grupos establecidos se sacrifica necesariamente uno de los elementos esenciales de los flashmob originales, la improvisación, sí se mantienen algunas características que podemos resumir y nombrar como “sorpresa”,“descontextualización”, “camuflaje” y “suma”.

Sorpresa: la realización de la actuación no debe ser anunciada de ninguna manera. El público es un invitado aleatorio que se encuentra con el suceso de forma accidental.

Descontextualización: la música se interpreta fuera de su contexto habitual (el auditorio), en lugares públicos, generalmente de tránsito, como estaciones de metro, mercados…

Camuflaje: Se pretende pasar desapercibido hasta el momento mismo de iniciar la actuación (o sumarse a ella). Por ello vemos orquestas sin uniformar o cantantes caracterizados como limpiadoras, camareros…

Suma: El efecto del flashmob musical se potencia con la elección de un repertorio que permita la suma paulatina de elementos: solista, dúo, sección, tutti. De ese modo, el factor sorpresa se incrementa con un crescendo de efectivos musicales que, hasta su intervención, permanecen ocultos a la vista o mezclados con los espectadores.

Existen multitud de vídeos de intervenciones artísticas, hemos seleccionado estos dos, porque nos resultaban sumamente ilustrativos, pero en la red circulan muchos vídeos excepcionales que muestran y captan la reacción de los presentes de una forma extraordinaria.

CMC GARAIKIDEAK

Este lunes os queremos presentar el Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK, un proyecto cultural privado, sin ánimo de lucro, e impulsado por jóvenes compositores e interpretes navarros, que tiene como objetivo principal crear y difundir gratuitamente trabajos de composición dentro del campo de la música contemporánea.




Los compositores responsables de este fabuloso proyecto son: Yolanda Campos BerguaPatxi Damián RodriguezIgnacio Fernandez GalindoUrtzi Iraizoz y Carlos Rodrigo.

Garaikideak lleva funcionando desde el año 2010 y siendo fieles a su idea de difundir la música de nueva creación han creado una biblioteca pública para favorecer el acceso gratuito a sus composiciones.

El centro tiene su propio blog http://cmcgaraikideak.blogspot.com.es/ donde publican regularmente artículos musicales de interés, noticias y conciertos, además les sirve como plataforma de contacto.

Conocer a Yolanda fue de las mejores cosas que nos han pasado en Pamplona. Porque nos descubrió Garaikideak y a toda la gente que lucha y trabaja por la música de vanguardia en Navarra (¡no estamos solo nosotros!).

Durante su trayectoria han realizado muchos conciertos y han promovido muchas actividades culturales, pero estas han sido las más ambiciosas:


No dejéis de interesaros por ellos, porque son un colectivo lleno de imaginación, sueños e ilusión. Os animamos a seguirles en su blog, merece la pena no perderles la pista.




CUANDO LA MÚSICA CLÁSICA SE CONVIERTE EN ESPECTÁCULO

Retomamos la sección de "el vídeo de los jueves" con muchas ganas de haceros pasar un rato agradable, porque el vídeo de hoy seguro que os sacará una sonrisa.

Seguro que conocéis a muchas personas que dicen "la música clásica es aburrida"... pero lo que esas personas no se paran a pensar es, que el aburrimiento es un sentimiento que le sucede (a esa persona) y no una cualidad del objeto, por esto, podemos intentar explicarles que la música clásica no es aburrida, son ellos los que se aburren con la música clásica.

El aburrimiento aparece cuando alguien no realiza ninguna actividad o no tiene interés por lo que está sucediendo... en el caso de asistir a un concierto de música clásica, si la persona escucha y centra su atención en lo que sucede en la escena, disfrutará seguro.
Pero si, con esta explicación todavía no conseguís convencerlos... Con este vídeo os tendrán que dar la razón.



Son  SALUT SALON, un cuarteto alemán con una plantilla de lujo. En el enlace de su web podéis encontrar mucha información interesante sobre este fantástico grupo de cámara.

Un saludo y disfrutar del fin de semana :)

¿Nombre o marca comercial?

Esta semana volvemos con un post muy útil sobre la decisión de registrar un grupo musical. Las dudas en el proceso de registro son bastante frecuentes y aquí os damos una serie de recomendaciones que sin duda os ayudaran a dar un toque profesional a vuestro proyecto musical. 

El proceso  de registro es bastante largo puede durar de 18 a 24 meses para su concesión, las marcas y los nombre comerciales se reservan durante 10 años y deben ser renovados.

Primero debemos saber ¿Donde dirigirnos? ¿Como realizar el registro? ¿A que epígrafe pertenecemos según nuestra actividad? Nos interesa registrar... ¿una marca o un nombre? y por supuesto el coste y la inversión que debemos hacer. Estas son las preguntas que necesitamos resolver antes de iniciar el registro si lo queremos hacer nosotros mismos. Existen empresas y asesorías que se dedican a tramitar todos estos aspectos administrativos, pero son bastantes caras. Nosotros recomendamos una web y a una persona Laura Solis, con la que hemos colaborado y que ofrece estos servicios de asesoramiento a muy buen precio y de una forma seria y profesional, podéis encontrarla en www.superyuppies.com


  




 








A continuación intentaremos resolver las cuestiones anteriores:

¿Donde dirigirnos y como realizar el registro?

A la Oficina Española de Patentes y Marcas.
Se puede hacer electronicamente siguiendo la guía que aparece en su web.

¿Clasificación de nuestra actividad según el servicio ofrecido?

Tenemos que mirar la clasificación internacional de productos y servicios de marcas (Clasificación de Niza 2012), se puede consultar en la web de la oficina española de patentes y marcas.


¿Que es una Marca?

Es un titulo que concede derecho exclusivo a la utilización de un signo para la identificación de un producto o un servicio en el mercado

¿Que es un nombre comercial?

Es un titulo que concede derecho exclusivo a la utilización de un signo como identificador de una empresa

¿Cuanto cuesta obtener un nombre o marca comercial?

Se trata de un coste asequible si una persona se ocupa personalmente de la tramitación. Su coste medio se sitúa alrededor de unos 150 Euros. Hay empresas que se dedican a estas gestiones y sus servicios oscilan entre 400 y 800 Euros. En la Web que os recomendamos el coste de este tipo de servicio es mucho menor.

Este es el proceso administrativo pero antes de todos estos pasos a seguir, debemos tener muy claro que
nuestro nombre comercial va a ser nuestra seña de identidad, conviene que el nombre sea fácil de memorizar y de pronunciar porque sera el nombre o icono, que nos va a mostrar al mundo.

DIY: Memory Auditivo

Hola de nuevo,
¿que tal las vacaciones? Nosotros hemos descansado y recargado las pilas para afrontar el final de curso con fuerza :)

Retomamos el blog de nuevo y en esta ocasión os proponemos un juego para que realicéis con los más peques de la clase o de la casa... 
 

Quien me conoce personalmente sabe que soy bastante inquieta, que me gusta inventar y hacer cosas manuales. Llevo tiempo dándole vueltas a juegos musicales y auditivos para un par de proyectos nuevos que (esperamos) pronto verán la luz y se me ocurrió transformar el tradicional juego donde teníamos que encontrar las parejas de cartas, por encontrar parejas de sonidos.

¡Es muy sencillo y fácil de hacer! ¿Os animáis?




En este caso nosotros hemos hecho 3 parejas (pero porque no teníamos más tarros que fueran iguales), cuantas más hagáis más difícil y más divertido será.

Lo primero que tenéis que hacer es elegir que vais a introducir en los tarros, nosotros hemos utilizado materiales que suenan muy diferentes: Garbanzos, Tapón de Corcho cortado en trozos pequeños junto con una pieza metálica (de un botón) y pequeñas cuentas. Pero podéis utilizar tuercas, arroz, lentejas, azúcar... ¡lo que se os ocurra!

Una vez elegidos llenáis los tarros (no es necesario que sea mucha cantidad) de dos en dos intentando que haya el mismo número de garbanzos, corcho, etc en los 2 tarros.

Luego los tapáis, en este caso usamos simplemente un papel (post it), o si tenéis tarros con tapadera mejor (recordar forrarla por si las tapaderas no son del mismo color), y después forramos todo el tarros con washitape de colores (si no tenéis... podéis usar cartulina o pintar los tarros). Recordad que la idea es que no se vea el contenido y que todos los tarros tengan los mismos colores para no saber las parejas antes de zarandear el tarro.


Y esto es todo... después solo queda ponerlos sobre la mesa y por turnos elegir dos tarros, primero mueves uno y luego otro, si son el mismo sonido y se adivina el contenido, el niño se quedaría con esa pareja, si no, dejaría los tarros en su sitio y el turno pasaría al siguiente participante...

¿Que os parece? Es realmente fácil y entretenido, ya nos contareis si lo habéis puesto en práctica... Nosotros lo iremos ampliando para jugar con nuestras sobrinas este verano :)

¡Hasta el jueves!

OZEN.NET

Este fin de semana ha sido intenso, interesante e inspirador.

Hace un año, se pusieron en contacto con nosotros para pedirnos información sobre un espectáculo para incluirlo dentro de un festival de arte contemporáneo que pretendían organizar en Vitoria... el gran trabajo que han realizado Mikel y Maider vio la luz con el nombre de OZEN.NET.

Imagen extraida de facebook/ozen.net

Como explican en su web "OZEN.NET, es un ejecutable de AEU (plataforma) que aborda lo sonoro como una emergencia abierta a la codeterminación de lo interno y lo externo en un flujo de tonalidades sonoras y visuales que conforman el fenómeno de lo perceptivo en la escucha."


El viernes nos alojamos en Vitoria en el Abba Jazz, un hotel céntrico, con un personal muy agradable y que os recomendamos 100% La decoración de nuestra habitación no pudo ser más apropiada ;)


imagen sacada de la web del hotel

Aprovechamos para conocer la ciudad y reencontrarnos con una amiga a la que no veíamos desde hacía 11 años...


El Sábado por la mañana nos fuimos a Alegría Dulantzi, allí conocimos a Maider y Mikel, a los compañeros que presentarían sus trabajos con nosotros, TURUKUTUPAColectivo MALAB y Jose María Pastor Sanchez y comenzamos con la preparación de "Principio de Incertidumbre":







Interpretamos obras de Rossé, Lauba, Yolanda Campos, Ruben Jordán, J.P Saura, Scelsi, Mefano... Al público le gustó nuestra propuesta musical y la reflexión que planteamos del Principio de Incertidumbre de Heisenberg aplicado a la música y a la vida.

La sesión concluyó con una charla sobre lo sonoro, lo audible y la mediación III, con una interesante participación por parte de Iñigo Ibaibarriaga del Laboratorio Klem.

Os animamos a asistir al próximo encuentro de este fantástico proyecto, que tendrá lugar el Sábado 25 Mayo en Vitoria-Gasteiz (pincha aquí para ver toda la programación de ese día). Si vais... ¡allí nos veremos!

SER PROFESIONAL

Antes de nada, nos gustaría explicar los motivos por los que la semana pasada y este lunes no subimos post...
Hemos estado preparando el próximo concierto en Vitoria y también tuve que dedicar el 100% de mi tiempo a mis alumnos, ya que se celebraba la XII Edición del Concurso Fernando Remacha en el CSMN.

En nuestro facebook podéis escuchar "Ximix (F. Rossé)" del dúo compuesto por Ion Martinez y Manuel Gil, que no consiguieron pasar a la final, pero que demostraron el progreso tan grande que han realizado en este primer curso de Grado Superior.
Y en este enlace de Youtube tenéis el vídeo de una de las obras del cuarteto de saxofones formado por Enric Martí, Eneko Anaut, Sergio Eslava y David Martinez, para mí los auténticos ganadores del "Fernando Remacha 2014" pese a que el jurado (que siempre es soberano) consideró que solamente se merecían el segundo premio.


La semana pasada, no se si por estrés, o porque estuvieron hablando de lo incierto que ven su futuro... varios alumnos me preguntaron (curiosamente en clases individuales):

- María ¿y todas estas horas que metemos al saxofón, la cantidad de ritmos raros, de digitaciones de cuartos de tono y sobreagudo que aprendemos... para qué, por qué?

Mi respuesta fue:
- ¡Por satisfacción personal y para ser mejor saxofonista!

Y uno me contestó...
- Si, eso está muy bien, pero eso a lo mejor no me da de comer.

A lo que yo respondí:
- Es posible... pero te asegurarás por lo menos al presentarte a una prueba (sea de lo que sea) que puedas optar a conseguir la recompensa (un premio, una plaza, quedar primero en una lista, acceder a una beca, etc...)

El tema no ha vuelto a salir en ninguna clase, pero no he parado de pensar sobre ello durante estos días y aún más al no haber conseguido mis alumnos el primer premio del concurso, y me gustaría compartir mi reflexión con todos vosotros: 

Sé que suena a tópico, pero... Hay que amar lo que uno hace y para llegar a ser "un profesional". Nosotros estudiamos todos los días saxofón porque nos apasiona, nos hace sentir bien, nos motiva, forma parte de nuestra forma de vida y porque así somos felices.





Pocas cosas hay tan gratificantes como ganarse la vida haciendo lo que a uno le gusta, pero ¡ojo! ser profesional no es solamente vivir de la música como único ingreso. Ser profesional implica estar capacitado y realizar el trabajo de manera honrada y seria.

Hacer lo que uno ama y que además reconozcan tu trabajo, es una satisfacción enorme. Un músico no es más profesional que otro por ganar más dinero o por tocar con un material más caro, si no por la responsabilidad con la que realiza el trabajo y por la ética con la que trata a las personas que están involucradas en su trabajo.

¿Que si habrá desilusiones en tu camino profesional? ¡Seguro! Pero alguien muy importante para mi siempre me dice que es mejor la ira que la frustración

En la vida siempre hay alegrías y decepciones, pero merece la pena intentarlo.

François Rossé, "el genio sencillo"

Hola a todos, esta semana os vamos hablar de uno de los compositores que mejor conoce nuestro instrumento; para nosotros, es uno de los grandes, no solo por la relación personal que nos une, sino por la calidad y genio que tiene su música.


Presentación

François Rossé es un compositor francés nacido en 1945 en Reichshoffen, su formación es de pianista e improvisador autodidacta, y es discípulo de compositores como Oliver Messian, Betsy Jolas, Ivo Malec y Paul Mefano de los que fue alumno en el Conservatorio de Música de París. Es especialmente relevante para nuestro instrumento, por formar parte del circulo bordelés de compositores, y por su especial vinculación a la clase de saxofón del conservatorio de música de Burdeos. Su especial interés por el saxofón viene por el encuentro con dos grandes personalidades del mundo saxofonisitico actual como son, Jean Marie Londeix pedagogo e investigador y ex-profesor de la clase de saxofón de burdeos y Marie Bernadette Charrier profesora actual de la la clase internacional de saxofón en Burdeos, ambos son historia viva de nuestro instrumento.

Obra y evolución compositiva

Sus pautas compositivas van desde la complejidad acústica "mineral", tales como la micro-polifonia de Ligeti, hasta apuntar a una complejidad de orden "orgánico", "antropológico" y "cultural" desde el concepto de "polifonía de la sociología". Es un autor con un genio compositivo indudable, y su producción es muy extensa con más de 800 títulos; escribe música de cámara, vocal, y orquestal. Dentro de su producción musical, el saxofón ocupa una posición muy relevante.



Imagen extraida de SUD OUEST


Influencia y vinculación al saxofón

Gracias a su contacto directo con la clase de Burdeos, su lenguaje esta plenamente adaptado al instrumento, con un lenguaje idiomático propio para este. La aplicación de nuevas técnicas de vanguardia en sus composiciones, han contribuido a la evolución de las posibilidades del saxofón dentro del repertorio de vanguardia. 

Experiencias personales

En nuestros programas de concierto casi siempre incluimos alguna obra de Rossé, sin pensar mucho en el último tocamos dos obras suyas, "Ximix" y "Arianne" los resultados siempre son excepcionales... Nuestra relación personal va desde la época en la que estudiamos en la clase internacional de saxofón en Burdeos, hasta hoy. Es una persona, excepcional, sencillo, servicial, sabio, divertido... en definitiva un genio que se transforma cuando habla de música. Nuestro ultimo reencuentro fue hace unos meses en Burdeos, con motivo de los III congreso nacional de saxofón que se organizo en Francia, y del que ya habréis leído en el blog.

Para despedirnos os dejamos una pequeña confidencia, aunque es algo en lo que estamos trabajando, tenemos un proyecto común que posiblemente vera la luz en el próximo Congreso Mundial del Saxofón que se celebrara en Estrasburgo en 2015, si queréis saber más, no dejéis de leer y seguirnos todas las semanas.

La "Zona de Confort"

Otro día mas volvemos con el vídeo de los jueves. Este vídeo ha sido uno de los más inspiradores de 2014 para redirigir nuestro Proyecto Hélade, el concepto de la "zona de confort" que muestra el vídeo nos hizo reflexionar y ampliar horizontes.

La zona de confort es aquella zona en la que nos encontramos cómodos mentalmente, con la vida que vivimos a diario con nuestras aspiraciones cubiertas y sin presiones.

Si queréis conocer más de esta "zona de confort" este vídeo es sumamente ilustrativo.




El sentimiento de ser curioso de establecer el crecimiento personal y profesional, como una manera de crecer y vivir es uno de los objetivos que debemos marcar en nuestro camino para evolucionar y mejorar. Lo importante es recordar que nada en este universo es estático y si uno no mejora, entonces va en sentido contrario. ¡No renuncies a tu iniciativa y gobierna tu vida!

6 Apps de música que debes conocer

Hola a todos, os pedimos disculpas por el retraso (pero ayer estuvimos de estreno... y os podeis imaginar el trabajo que eso conlleva...) esta semana volvemos con un post diferente y muy actual. Tiene carácter divulgativo pero, seguro que sera válido para profesionales y buenos aficionados a la música en general. 

Hoy en día llevamos con nosotros multitud de terminales tecnológicos, el móvil, la tablet, el portátil...Existen muchas aplicaciones para estos dispositivos y alguna de ellas nos pueden ser muy útiles para nuestro estudio diario.

Aquí va una selección de las que para nosotros son casi imprescindibles, por su utilidad, manejo, y opciones:

Metrónomo y Afinador



Posiblemente, la aplicación más completa, reúne metrónomo, con posibilidad de subdivisiones, y un afinador, con posibilidad de variar el La4 entre 439Hz y 445Hz) e incluye una grabadora de sonidos.

Disponible en Google Play.

Metrónomo Orchestra



Esta aplicación es sumamente interesante, ya que permite programar cambios de tempo y compás. En la version FREE, puede guardar hasta 5 programas diferentes, mientras que en la versión PRO no hay limites.

Disponible en Google Play

Perfect Ear 2



Es una aplicación para entrenar el oído. Prueba a reconocer los intervalos, acordes, escalas, ritmo...Ideal para desarrollar nuestra percepción auditiva.

Disponible en Google Play

IMSLP Doid



Se trata de la aplicación móvil de la plataforma IMSLP (International Music Score Library Proyect). En esta plataforma se puede a acceder a la descarga de miles de partituras de dominio público.

Disponible en Google Play

Spotify



Esta aplicación no necesita presentación. Millones de obras e interpretaciones, disponibles en cualquier sitio y a cualquier hora. Imprescindible.

Disponible en Google Play

Evernote



Organizador de tareas, calendario, eventos y multitud de posibilidades para una buena organización y planificación de nuestro trabajo diario

Disponible en Google Play


Estas son solo una pequeña selección de apps practicas para músicos profesionales y aficionados. Esta lista de apps musicales, se completa con un magnifico organizador de tareas como Evernote, para anotar nuestros conciertos y ensayos; obteniendo así, un buen rendimiento de nuestra Tablet o Móvil.

Naroa Armendariz

Para nuestro próximo espectáculo ARTE SONORO contamos con la colaboración de Naroa Armendariz, una joven navarra a la que admiramos por su talento y profesionalidad.



Para conocerla mejor, os enlazamos un vídeo de su exposición en el Centro de Arte Contemporáneo de Huarte en Noviembre de 2012, y una pequeña entrevista que ha aceptado hacer para nuestro blog.





Descríbete en pocas palabras:
- Creo que soy creativa, tenaz, sensible y polifacética. Una persona con muchas y variadas inquietudes.

¿Cuándo y cómo surge tu interés por el arte?
- Mi interés por la pintura viene desde niña; sencillamente no dejé de pintar y por lo cual es algo que he ido cultivando poco a poco. En cuanto a mi interés por el arte, creo que va en paralelo a la pintura, a pesar de que me costó muy poco ubicarme como pintora y mucho como artista. Creo que la palabra artista es una palabra con demasiadas connotaciones: o vas de estrella por la vida o vas de estrellada; parece que no pueda haber normalidad en una persona que dice ser artista…


¿Con qué técnicas y en qué estilo te sientes más cómoda?
- Dentro de la pintura crecí con el óleo, así que ese ha sido mi medio más natural durante mucho tiempo. Sin embargo, hace más de diez años que llevo trabajando con otras técnicas y a día de hoy la técnica que me resulta más cómoda es la más adecuada para lo que esté haciendo. No es lo mismo trabajar en un mural o en un retrato de pequeño formato. Cada técnica tiene unas cualidades con sus ventajas y desventajas que se adaptan mejor o peor a las distintas necesidades.

Con el estilo ocurre lo mismo que con la técnica, he trabajado mucho tanto con la figuración como con la pintura no figurativa, dependiendo del proyecto recurro a un estilo u otro. Al fin y al cabo son una misma cosa.


¿Qué te inspira o te ayuda a ser más creativa?
- Si hablamos de la creatividad en general, creo que hay varias fuentes que la generan. Una es la necesidad de cambio en cualquier faceta, porque la solución pasa por la creatividad. Otra es el aburrimiento, éste es el espacio de descanso perfecto para que la creatividad se active. En mi caso, en cuanto controlo una técnica u estilo pictórico tiendo a aburrirme, con lo que enseguida busco otras maneras de hacer u otras fuentes que me motiven a seguir creando.

El tiempo o la disponibilidad es otra de las cosas fundamentales para dar rienda suelta a la creatividad: poder estar ahí cuando llega la inspiración. Yo estoy completamente de acuerdo con ese dicho que dice “que la inspiración te encuentre trabajando”; y si no estás trabajando, que por lo menos te encuentre en disposición de poderte poner a trabajar. En mi caso, la mayor parte de las veces la inspiración me viene de sopetón, se me activa la cabeza y comienza un diálogo interno lúcido o una imagen con contenido creativo importante que yo por mí misma no puedo provocar. Así que siempre tengo que tener donde apuntar o esbozar lo que viene, porque como interrumpas el flujo de ideas… se esfuman.


¿Cómo ves el papel que juega el artista hoy en día dentro de la sociedad?
- Hace unos meses escribí un artículo sobre este mismo tema que publicaron en el Diario de Navarra. En él hablaba de la gran necesidad actual de que la imagen de artista y del arte mismo sea revisada y actualizada, para que lo artístico deje de tener un papel inútil para la ciudadanía y se convierta en lo que debería ser: un motor constructivo de sociedad.

La devaluación del artista ha acarreado que el papel del arte caiga con él (o viceversa), tal y como decía en el artículo acerca de la función del arte: “El papel del arte no es embellecer una pared aunque pueda hacerlo. El arte, como parte de la cultura de una sociedad que es, sirve para que la sociedad, sus hombres y mujeres, puedan crecer y evolucionar. La cultura nos saca de las necesidades más básicas y nos despierta un afán de entender, de aprender y de ver más allá. El arte y la acción creativa, ayudan a tener una visión ampliada de la realidad, una visión en la que no existe una sola opción. La creatividad genera alternativas, es decir, da nuevas soluciones a viejos problemas. El arte, la cultura, educa para crear personas reflexivas, expresivas, creativas, críticas, empáticas y sensibles. Es decir, crea personas más completas que no viven sólo para sobrevivir (como hace la mayoría de animales) sino que viven ampliándose y creciendo a todos los niveles. Tal y como dijo Oteiza El arte es un puente para otro tipo de madurez mucho más importante, la madurez moral para la vida con los demás.

Como el artículo es largo y resulta difícil de resumir, os dejo un enlace a una foto del artículo para que a quien le interese, pueda leerlo al completo aquí


¿Cuál es hasta el momento tu cuadro o proyecto preferido?
- Esta pregunta siempre me ha resultado muy difícil de contestar, creo que no tengo uno preferido. Sí que hay obras que necesito tener más presentes, cuadros que me siguen enriqueciendo al verlos todos los días.

También hay proyectos con los que como trabajos finales me siento más satisfecha, como la exposición en el Centro de Arte Contemporáneo de Huarte o la exposición en Canvas, el resultado fue muy completo y limpio. Pero de ahí a decir que son mi favoritos… No sé, cada cual me ha aportado lo suyo y el resultado final no lo es todo.


¿Arte Sonoro es tu primer trabajo multidisciplinar? ¿Qué ha supuesto para ti esta colaboración?
- Arte Sonoro es, efectivamente, mi primer trabajo multidisciplinar. Ha supuesto un reto y un cambio radical en mi manera de trabajar por varios motivos:

Por un lado, yo nunca trabajaba con bocetos ni estructuraba previamente las obras. Mi manera de pintar suele partir de una estructura mental que luego puedo ir variando sobre la marcha. Sin embargo, las obras para esta colaboración están perfectamente estudiadas y ensayadas: de los cinco trabajos que presento,  he hecho y grabado en vídeo multitud de pruebas con las que puedo seguir evolucionando hasta decidir cómo será la obra durante el concierto. Esto genera otra diferencia radical en mi manera de hacer y de entender las obras: éstas ya no se pueden valorar como únicas, ya que cada una de ellas forma parte de una serie de obras que tienen como meta ser parte de una performace. Y también que, de hecho, más importante que la obra en sí es el acto de pintarlos durante el concierto. Es otra cosa que, por cierto, también es nueva para mí, porque si bien ya había realizado performance/instalaciones, nunca había pintado sobre un escenario en directo, lo que aumenta considerablemente el reto de este proyecto.

Por otro lado, hacía tiempo que tenía ganas de investigar la manera de expresar con pintura (con color, texturas y técnicas) distintos sonidos y composiciones musicales, pero ha sido con este proyecto cuando por fin lo he hecho; esto también implica otro cambio porque es la primera vez que los motivos para pintar me son dados por medio de temas musicales que otras personas han elegido por mí.

Quiero decir por último que ésta es la primera vez que voy a actuar en un escenario con un trabajo propio en el que además no sólo pinto, sino que he ampliado los recursos visuales para favorecer la interpretación de lo que la música transmite. Es un proyecto arriesgado para mí, en el que me siento más expuesta que nunca. Con el arte siempre te expones, pero esta vez es en un directo y con medios que no son los habituales para mí: no es una sala de exposiciones en la que todo está ya hecho y seleccionado previamente y no sólo me voy a expresar por medio de la pintura, también hago videocreación, movimiento corporal...
Además, ahí arriba, por muchos ensayos que haya por delante, saldrá lo que salga y tendré que asumirlo.


¿Cual es tu próximo proyecto?
- Siempre tengo diferentes proyectos en curso, en el estudio estoy trabajando con varios a la vez pero que por ahora no tienen ningún destino asignado.


El próximo proyecto que sí que tiene fecha es otro trabajo colaborativo, en este caso con la poeta Uxue Juarez y con la bailarina y pintora Amaia López. Tenemos en mente trabajar con la sonoridad de los distintos idiomas y darles forma por medio de la danza, de la pintura y del propio lenguaje. La fecha en la que actuaremos juntas por primera vez será el siete de junio, en el día de El Barrio de los Artistas, aunque éste sólo será el comienzo porque nuestra idea es llevarlo mucho más allá y colaborar con artistas de otros países para poder jugar con una variedad sonora mayor.


Algo que tengo claro para mis próximos proyectos es que quiero plantearme otras maneras de hacer y de acercar a la gente el arte. Llevaba un tiempo sintiendo que con las exposiciones tradicionales la pintura no terminaba de cuajar con la gente. Pocas personas son las que a día de hoy van a ver exposiciones, y la comunicación que debe haber entre artista/obra/espectador no se da tan a menudo como debería. Creo que el espectador necesita verse involucrado con la obra de arte, que vea y sienta que el arte y la pintura están vivos. Creo que tanto mostrar el proceso  creativo, como sacar la pintura de los tradicionales espacios expositivos, pueden ser maneras de involucrar a la gente y despertar interés con respecto a la pintura. Tengo la esperanza de que de esta manera, la gente de a pie se anime a acercarse al arte y puedan afrontar de otra manera la pintura contemporánea. 



Desde aquí volvemos a agradecer a Naroa su colaboración tanto en la entrevista como en "Arte Sonoro", ha sido un verdadero placer trabajar con ella y le deseamos mucho éxito en todos los proyectos que emprenda.