II Congreso Nacional de Saxofón de la A´SAX en Burdeos (2ª parte)

Hola a tod@s...
¡estamos de vuelta! y además con la motivación por las nubes gracias a todo lo que hemos vivido en estos 5 días. Hemos asistido a conciertos, conferencias, masterclass ¡ha sido increíble! seguir leyendo porque os lo contamos todo en este post:

27 Nov. 2013
El día comenzó muy temprano, tras cargar el coche y desayunar fuimos a buscar a la tropa de Pamplona que se venía con nosotros a Burdeos:



Al llegar fuimos al Conservatorio de Burdeos, donde los alumnos del Aula de Saxofón del CSMN pudieron asistir a una Sonata de la clase Internacional de Saxofón de Marie-Bernadette Charrier.

El conservatorio nos trajo a Luis y a mi muchos recuerdos (curiosamente TODOS BUENOS! jejeje... con el tiempo lo bueno que nos ha dado nuestra formación en Francia ha borrado los malos momentos), volvimos a ver a Hilomi y Maribé, a muchos amigos, conserjes, las chicas de la cafetería, administrativos del conservatorio... abrazos, risas y más abrazos... fue como si el tiempo no hubiera pasado :)

Tras volver a probar las sopas de la cafetería, a las 15h cogimos el bus y nos fuimos a casa de Jean-Marie Londeix:


Londeix nos recibió con los brazos abiertos, es impresionante la vitalidad que todavía desprende... no nos cansaremos de darle las gracias por todo lo que ha hecho por nuestro instrumento (para nosotros es historia viva del saxofón); también por lo bien que nos ha tratado siempre y el aprecio que nos tiene. 

Fue increible todas las historias que compartió con nosotros y mis alumnos, incluso nos enseñó un saxofón del 1846 de Adolphe Sax 


¡Nos preparó la merienda! ¡Si, si... en serio!


Fue una tarde inolvidable, nosotros solemos decir que los más grandes son siempre los más humildes y cercanos... 



Después nos fuimos al centro de la ciudad, paseamos un poco y cenamos el mejor Kebab del mundo en "Cappadoce" (he de decir que no exagero, a mi no me gustan los kebabs excepto el de este pequeño restaurante, que se encuentra en la esquina contraria de la iglesia Saint Pierre)...

Este fue nuestro primer día :) ¡Mejor imposible!

28 Nov. 2013
El día del concierto.

Comenzamos la mañana con una presentación de todas las obras que se iban a tocar ese día en la sala Atelier del Conservatorio... nuestros compositores Yolanda Campos, Patxi Rodriguez e Ignacio Fernandez, llegaron después pero Luis y yo intentamos hacer la presentación lo mejor posible :)

Compartimos escenario con los chicos del cuarteto Art Sound y los ensembles de los conservatorios de Burdeos, Oviedo y Pamplona.


Para nosotros fue muy especial porque... era la primera vez que tocábamos juntos en Burdeos... habíamos hecho muchos conciertos allí, pero nunca juntos, y por supuesto nunca como Proyecto Hélade. Además tocamos Origen la obra de nuestra amiga Yolanda Campos.

Nos felicitó mucha gente (compositores y saxofonistas) entre ellos podemos destacar a Claude Delangle (profesor de saxofón del CSM Paris), al que le gustó nuestra interpretación y quiso conocer a la compositora. Yolanda estaba contentísima sobre todo cuando tras hablarle de la trilogía, Delangle le pidió que le enviase la partitura :)

Los alumnos del CSMN hicieron un buen papel, (y en el concierto de clausura aún mejoraron la interpretación)... pese a los los nervios por ver a tantas personas importantes del mundo del saxofón sentados juntos estuvieron realmente bien y su primera intervención en un evento importante y de relevancia fue muy bueno.
Es muy importante no salir al escenario pensando que alguien te va a juzgar, porque si no, nos perdemos lo mejor, que es disfrutar del concierto... (les preparamos una sorpresa para el día siguiente...)

29 Nov. 2013
Tras un pequeño incidente con uno de los coches con los que nos fuimos a Burdeos y visitar a la "gendarmerie" fuimos a comer al Conservatorio y quedamos con François Rossé


Rossé, que es un encanto de persona les dió una masterclass sobre "Shannai" a los alumnos (incluso terminaron haciendo una improvisada "performance" por los pasillos del Conservatorio)


Lo mejor de este Congreso es porder vivir la música y todo lo que lleva alrededor casi las 24h del día



Después tocaba descansar un poco de saxofón, así que nos fuimos de compras por la ciudad, vimos la ópera y el "Marché de Noël", terminamos cenando en L´Entrecot y nos fuimos a descansar...

30 Nov. 2013
Por fin conocimos "Rocher de Palmer", allí había una exposición enorme de saxofones Selmer, Yamaha, Buffet, etc... de material, partituras... y del centro europeo del saxofón (que es todo el material que Jean-Marie Londeix cedió a la biblioteca del Conservatorio de Burdeos). Asistimos a masterclass públicas de Claude Delangle e Hiroshi Hara.




Por la tarde hicimos de traductores para un grupo de españoles en el Taller de Reparación de Jean Mussino


Jean ha sido nuestro reparador desde que llegamos a la clase de Maribé, es increíble lo fino y perfeccionista que es... le admiramos mucho y nos dió muchísima alegría volver a encontrarnos con él y poder presentárselo a mis alumnos de Pamplona


Después regresamos al albergue (por cierto... desde aquí vuelvo a agradecerle a Javi, profesor de saxofón del CSM Oviedo que compartiera con nosotros su autobús), y nos preparamos para ir al concierto en el nuevo Auditorio de Burdeos. 

Sin duda, lo más espectacular de la noche la joven saxofonista Elisa Urrestarazu, que interpretó de memoria la Sequenza IXb de Berio... y nos dejó sin palabras... tocó con una calidad increible, con una gran precisión en los ataques y los matices, con un sonido precioso y lo que más nos gusta en un músico ¡con mucha fuerza y energía! Le deseamos todo lo mejor y estamos seguros de que llegará muy lejos, porque se lo merece :)

Como os podéis imaginar estábamos muy cansados porque estábamos viviendo unos días muy intensos, así que nos marchamos pronto a descansar para coger fuerzas, ya que mis alumnos todavía tenían que tocar en el concierto de clausura del día siguiente.

1 Dic. 2013
Madrugamos para cargar de nuevo los coches e irnos a Rocher de Palmer para el ensayo general del Concierto de Clausura... Aunque antes asistimos al concurso de creación para jóvenes.
Nos encantó este grupo (que además ganó el primer premio)


Interpretaron una obra para cuarteto de saxofones altos y estructura sonora. (Esta estructura la fabricaron ellos mismos y la hacían sonar colocando las boquillas de los saxofones).

Después comenzó el ensayo... nunca habíamos visto tantos saxofonistas juntos sobre un escenario (¡y no estaban todos los ensembles! por la tarde en el concierto, fue espectacular).


Enlazaron el ensayo de Sax´Out de Rossé con un ensayo de Binaka en la cafetería del teatro, aunque para comer hicimos un picnic en el parque... nada mejor que una buena barra de pan con companage para coger fuerzas de cara al concierto ;)


Se realizó la presentación del próximo Congreso Internacional del Saxofón que tendrá lugar en Estrasburgo del 6 al 11 de Julio de 2015 (aquí os dejamos el enlace para más información) y luego comenzó el concierto de clausura. Como no podía ser de otra manera ¡fue un éxito! mis alumnos tocaron realmente bien y recibimos la felicitación de compositores como Rossé, Allá, Laval, Havel y Agobet, y grandes saxofonistas como Maribé y Londeix... El comentario general fue "- Guauuuu ¡como ha subido el nivel de España!". Creo que ha sido una semana muy productiva y sobre todo ha valido para motivarnos al 100% y volver con muchas ganas de trabajar y hacer cosas nuevas.

Por cierto, queremos agradecer a Maribé su confianza en nosotros para participar en este gran encuentro, y su profesionalidad ya que la organización ha sido excelente y el contenido de las jornadas extraordinario.


¡Nunca deja de sorprendernos y seguimos aprendiendo de ella! Es un ejemplo de compromiso y pasión por y para nuestro instrumento, el saxofón.


"II Congreso Nacional de Saxofón de la A. Sax" Burdeos (Francia)

Esta semana volvemos con gran actividad, para nosotros es una semana muy importante, participamos en los "II Congreso Nacional de Saxofón de la A. Sax" celebrado en Burdeos (Francia). Es una semana llena de actividades, conciertos, conferencia, talleres de lutheria, concursos de creación, exposiciones....un sin fin de eventos que duraran desde el 26 de Noviembre hasta el 1 de Diciembre de 2013. Para más información aquí os dejamos la web de promoción de los encuentros. www.rencontresasax-bordeaux.com

Proyecto Hélade participa aportando la interpretación de Origen de Yolanda Campos Bergua www.yolandacamposbergua.es joven compositora española interesada en la música de vanguardia y un talento excepcional. 

En palabras de la autora Origen "forma parte de la “Trilogía de Aur*”, un conjunto de tres piezas basadas en la creación de la Constelación de Capricornio.

Las tres obras tienen elementos en común, sobre todo a nivel formal (la forma de todas ellas refleja la de la propia constelación) y estético; aunque desarrollados de diferente manera.


La partitura está estructurada en cuatro secciones; cuatro movimientos que evocan la creación y la evolución de la constelación.


Escrita en un lenguaje modal-microtonal, el sistema compositivo está basado en las distintas combinatorias numéricas resultantes de las magnitudes de las estrellas que forman la constelación.


En definitiva, Origen intenta plasmar la relación existente entre el hombre y el Universo, a través de proporciones numéricas que tienen su equivalencia en proporciones musicales."


Para nosotros esta participación tiene un grado de nostalgia muy grande ya que nuestra formación al más alto nivel y donde descubrimos nuestra dirección artística fue en la clase Internacional de Saxofón del CRR de Bordeaux, bajo la tutela de Marie Bernadette Charrier excepcional saxofonísta y pedagoga y mejor persona aún, que nos aporto la pasión, el compromiso y el respeto hacia nuestro instrumento. 

La preparación en una semana de compromiso con concierto, siempre requiere de gran disciplina, rutinas de ensayos y búsqueda del material más apropiado para obtener la mejor interpretación, estas son las prioridades, pero sin descuidar otros aspectos más de carácter psicológico y físico que nos permita afrontar en una condición optima el concierto. Intentar controlar hasta el más mínimo detalle de nuestra puesta en escena y nuestra interpretación puede evitar imprevistos desagradables. Los pequeños detalles como la ropa los arneses, los soportes no pueden quedar al azar. Todo, absolutamente todo, se trabaja.

La semana próxima os contaremos y documentaremos gráficamente esta estupenda experiencia que tendremos la suerte de vivir en primera persona.


*Aur: diminutivo de Aúriga; constelación que dio origen al mito de de la cabra Amaltea que amamantó a Zeus y a la Constelación de Capricornio.

THE ARTIST

Hola a todos,
grande, excepcional, divertido, fabuloso espectáculo... calificativos que definen la gran noche de música y cine vivida en Baluarte.




La proyección de la película "The Artist" en la sala principal del auditorio con música en directo de la Orquesta Sinfónica de Navarra fue todo un éxito. La película fue galardonada en 2011, con cinco Oscars, siete premios BAFTA, seis Cesar y Tres Globos de Oro....

En palabras del Director de la película Michael Hazanavicius, la banda sonora es una "carta de amor al cine". 

Ludovic Bource su compositor es una persona excepcional, humilde, cercano, brillante, ...tuvimos la suerte de charlar y compartir esta experiencia con él. 


Durante el ensayo del Viernes


Ludovic nos contó muchas cosas, entre ellas como fue el proceso compositivo de la BSO. Teníamos la duda de si la música la compuso tras ver las imágenes o tras leer el guión... y nos contó que fue antes y durante la grabación de la película. El compositor le presentó la música a Hazanavicius y este eligió el tema principal del piano como melodía central de la película. También nos confesó que tuvo que reducir muchísimas partes por motivos de duración de las escenas y que es una pena porque esa música no llegó a ver la luz. 

Nuestra admiración hacia él es total.

Su música para "The Artist" es exquisita, sensual, dramática, divertida....pura descripción de personajes y escenas sin necesidad de palabras.


Horas previas al concierto

De este concierto nos quedamos con la participación junto a la Orquesta Sinfónica de Navarra, con las palabras de Bource sobre nuestra intervención y la puerta abierta para una posible colaboración con este gran compositor.

Resultado de Sorteo "The Artist"

Esta semana volvemos con un post corto pero muy esperado. Hemos realizado el sorteo para las entradas al espectáculo "The Artist" con la OSN en Baluarte. Los participantes son los que a continuación enumeramos por orden de inscripción:

1. JAU
2. EVA
3. ANGEL 
4. INÉS
5. VIRGINIA
6. HECTOR
7. ION
8. PAQUITA

Recordamos que el ganador del sorteo recibirá las entradas esta semana. Nos pondremos en contacto con él/ella y acordaremos la forma de envío o recogida de las entradas. Después solo quedara disfrutar del espectáculo y hacer muchas palmas.

Para un sorteo limpio y justo, hemos utilizado la web de sortea2.com. 

AND THE WINNER IS.....




NUMERO 8 PAQUITA SAURA

Enhorabuena y esperamos que disfrutes del espectáculo. 

Un abrazo P.H.

El Proceso Creativo: Fluidez, Flexibilidad y Originalidad.

Hola a todos,

Esta semana pretenderemos acercar a nuestros lectores algunas de las pautas que más inciden en el proceso creativo en los niños.

Existen diferentes factores que ayudan en el proceso creativo en música, es muy importante destacar que la imaginación, la capacidad de escucha interior, las habilidades divergentes y de consecución de metas, así como la independencia y la autonomía son más determinantes que el coeficiente intelectual alto en este campo, lo cual permite ampliar las posibilidades de exploración de uno mismo y del trabajo.

Según Guilford en el proceso creativo, existen una serie de habilidades centrales. Estas son la fluidez, la flexibilidad y la originalidad definidas de la siguiente forma:

Fluidez: es la capacidad para dar varias o múltiples respuestas validas a un problema.

Flexibilidad: implica una capacidad básica de adaptación en contraposición a un estilo rígido, y esta referida al manejo de variadas categorías de respuestas frente a una situación. Ademas de entregar respuestas validas estas poseen el sello de variedad 

Originalidad: es la capacidad de emitir respuestas, que ademas de ser consideradas validas, resulten nuevas, novedosas inesperadas y que por lo tanto, provoquen un cierto impacto o impresión. Pero para hablar de respuestas originales, su ocurrencia debe ser baja.

Corazza habla del comportamiento creativo en las composiciones musicales de los niños; basándose en la idea del pensamiento divergente de Guilford, mantiene que la fluidez se consigue con la capacidad de producir diferentes ideas musicales en un breve plazo de tiempo, la  flexibilidad en la elaboración de un numero considerable de frases con contenido musical diferente, y la originalidad en la producción sonora de ideas musicales poco comunes. Ademas, para ella es importante el comportamiento del niño cuando realiza la improvisación (creativo), así como la estructura de la misma (organizada).

Al final se puede llegar a la conclusión de que a muchos especialistas, profesores, pedagogos.... solo les interesa la dimensión operativa de la música. El trabajo creativo planteado por la música estimula el pensamiento divergente a la vez que forma la mente de los niños, sin esfuerzo, ya que se trata de un juego.

Si tus hijos aún no estudian música, te recomendamos esta actividad como muy recomendable, para desarrollar y potenciar sus dotes creativas y de concentración.

Aún esta abierto el sorteo para la adquisición de 2 entradas para el espectáculo "The Artist" en colaboración con la OSN en el auditorio Baluarte de Pamplona.

Participa ya aquí, no esperes más.

Pautas de redacción A.P.A. y la ética intelectual

Copiar, plagiar, redactar, interpretar, documentar, elaborar....palabras que en ocasiones pierden su significado cuando se elaboran trabajos de investigación o se escriben artículos y no se respetan aspectos básicos de redacción, ni de forma. Actualmente las pautas más consensuadas dentro de la comunidad científica son las pautas A.P.A.  Estas normas metodológicas son resultado de acuerdos internacionales para unificar el manejo de la información en documentos académicos. Su uso debe ser obligatorio y su función es señalar y registrar la información consultada y revisada en el texto. Existen dos únicas formas de realizarlo:

1. A través de citas directas o indirectas.
2. A través de un listado de obras reseñadas al final del trabajo. 

Las pautas A.P.A, son muy accesible aquí os dejamos dos enlaces muy útiles para su consulta.   



El conocimiento de estas normas y la utilización y dominio de programas de edición de texto, se hace indispensable para poder elaborar y redactar un buen trabajo de investigación. 

Aunque la verdadera intención de este post a parte de ayudar a conocer y acercaros estas normas de manejo de información en la elaboración de trabajos, es la de concienciar a todo el mundo de que copiar es vulnerar la propiedad intelectual y es un delito. La ética de muchas personas que elaboran trabajos o escriben artículos en ocasiones es inexistente. Nosotros como bien sabéis, somos docentes y nos encontramos con multitud de situaciones violentas, donde alumnos y profesionales compañeros de profesión, copian indiscriminadamente sin ningún tipo de pudor. El problema no es copiar para un trabajo personal sin recorrido (sigue estando igual de mal) o que hagan bonitos corta-pega, refritos...etc, que pueden utilizar en un momento concreto. Esta gente, se permite el lujo de apropiarse de ideas y reflexiones que no son suyas, y presumen de la obtención de títulos y diplomas sin el más mínimo esfuerzo, toda una injusticia que desde aquí denunciamos.

El mundo es para personas inteligentes, vivas y listas pero no debe estar reñido, con la ética intelectual, la honradez y el compromiso docente.    

La Música Contemporánea en el Aula

Hola a todos hoy volvemos con un post, que pretende sembrar el debate pedagógico dentro de la comunidad educativa.

Antes de comenzar vamos a realizar un pequeño análisis del estado de la cuestión. Los aspectos de la música del siglo XX que más han  influido en la pedagogía musical actual son aquellos que presentan un carácter más sensorial y directo, aquellos que surgen al profundizar en el sonido, es decir "el polo material" de la música, para expresarlo con el lenguaje de Willems. Estos son: la música concreta y electroacústica, la improvisación y el teatro musical, las nuevas grafías, el taller de sonido, los instrumentos y los dispositivos electrónicos, los instrumentos exóticos, los objetos sonoros...

Para comenzar lanzamos la siguiente pregunta: ¿Por que incluir la música contemporánea en el aula? y argumentamos con pequeñas frases la necesidad de utilizarla.

Porque:
  • Los alumnos y los profesores no pueden ignorar los lenguajes actuales de comunicación sonora.
  • El sonido y la música constituyen, en el marco de la música contemporánea, una realidad integral e integrada.
  • Al ampliar el horizonte sonoro, la música tradicional adquiere un sentido mas rico y trascendente.
  • Las estructuras abiertas de la música contemporánea (ritmos , alturas...) responden funcionalmente a las etapas iniciales de la educación musical.
  • Contribuye a estrechar las relaciones con otros lenguajes artísticos contemporáneos y también con la ciencia.

Desde este pequeño foro de opinión recomendamos una serie de pautas que pueden utilizar los docentes, para familiarizarse con las técnicas más habituales de la música contemporánea.

Pautas:
  • Participar activamente en talleres de música contemporánea, conducidos por un compositor o pedagogo especializado.
  • Asistir regularmente solo o con alumnos a conciertos didácticos comentados sobre música contemporánea.
  • Conocer y escuchar grabaciones de música contemporánea producidos por artistas locales e internacionales.
  • No temer a pesar de su limitada experiencia, inducir a sus alumnos a intentar por su cuenta experiencias con el sonido, a partir de propuestas dadas o surgidas de su propia iniciativa.
  • Procurar al alumno información  a través de bibliográfía, entrevistas, y artículos sobre música contemporánea especializada.
  • Promover en su centro educativo  la organización de encuentros, seminarios, talleres, mesas redondas, donde interactuen docentes musicales y estudiantes con compositores. 

Se distinguen en la actualidad diferentes enfoques y/o estilos pedagógicos respecto de la inclusión de la música contemporánea en el aula. Tales modalidades no se refieren solo al tipo de técnica musical que favorecen la practica, sino a las técnicas pedagógicas utilizadas. La focalización de aspectos estéticos en la expresión artística no se contradice con el desarrollo de un interés más amplio por el sonido, interés que incluye los aspectos intelectuales.

A modo de conclusión podemos decir que las experiencias sonoras que aporta la música contemporánea en el alumno apuntan a objetivos extremadamente beneficiosos que no se pueden ignorar por parte del docente y que estamos obligados a mostrar a nuestros alumnos.

Esperamos que estas pequeñas pautas os ayuden a integrar la música contemporánea en el aula y os animéis a ponerlas en práctica.

Os recordamos que todavía podéis participar en el sorteo de las entradas para ver a Proyecto Hélade en colaboración con la OSN en el espectáculo "The Artist", el día 9 de Noviembre de 2013 en el Auditorio de Baluarte en Pamplona.

Hasta la próxima semana.

LA MÚSICA EN EL CINE MUDO

Hola amigos,
antes de nada gracias por estar otro día más regalándonos vuestro tiempo; como podéis ver estamos trabajando en el diseño del blog (por este motivo lo habréis encontrado diferente, en un par de semanas esperamos tenerlo terminado).

Hoy os traemos un tema muy interesante y especial para nosotros, ¿Por qué especial? Pues tendréis que seguir leyendo ya que os lo revelaremos al final del post ;)


En la RAE podemos encontrar como una de las definiciones de música "Arte de combinar los sonidos de la voz humana o de los instrumentos, o de unos y otros a la vez, de suerte que produzcan deleite, conmoviendo la sensibilidad, ya sea alegre, ya tristemente".

Por este motivo podemos entender que durante la época del cine mudo, los directores se sirvieran del piano para aportar una mayor sensibilidad a las imágenes y como complemento de una necesidad artística. Pero... ¡esto no es así! En realidad, el motivo principal por el que se incorporó la música en directo durante estas proyecciones cinematográficas fue: ELIMINAR O AMORTIGUAR EL RUIDO DEL PROYECTOR.

Algunas proyecciones estaban acompañadas de comentarístas que con un megáfono, se situaban detrás de la pantalla y se dedicaban a reproducir los supuestos sonidos que se producían durante la proyección, junto con el acompañamiento del piano que normalmente improvisaba, o una pequeña orquesta que interpretaba obras de música clásica. Estos comentarístas se conocían como "Figurantes Pictóricos".

Si nos remontamos a la primera película muda, encontramos "La escena del jardín de Roundhay" de Louis le Prince en 1888; las películas con sonido aparecieron en 1920 y esto supuso la desaparición del cine mudo en tan solo 10 años.

Ahora ha llegado el momento de comentar el motivo por el que os estamos hablando de este tema... El próximo Sábado 9 de Noviembre de 2013 realizamos una colaboración con la Orquesta Sinfónica de Navarra en un concierto muy especial en BALUARTE
Se trata de la interpretación de la Banda Sonora de la película "The Artist", película escrita y dirigida por Michel Hazanavicius, ganadora de muchos premios en 2011 y 2012 como por ejemplo 5 Óscar (entre ellos al de Mejor Banda Sonora). Durante este concierto también se proyectará la película y poder disfrutar de la música en directo, hará que el público sienta y perciba el ambiente mágico del cine antiguo.

Para nosotros será un proyecto muy interesante ya que podremos trabajar junto al compositor de la BSO Ludovic Bource (que tocará el piano como un miembro más de la OSN) y junto al director de orquesta Ernst van Tiel.

Aprovechando este concierto hemos decidido realizar nuestro... ¡Primer Sorteo!


Será nuestra primera colaboración con la Orquesta Sinfónica de Navarra y queremos compartir con vosotros este día. Por eso os regalamos 2 entradas completamente gratis para asistir al Concierto del próximo 9 de Noviembre de 2013 en Baluarte, Pamplona (Navarra).

Para participar es muy sencillo, solamente tenéis que seguir los siguientes pasos:

1.- Seguir nuestro blog, clicando a la derecha en "participar en este sitio" y seleccionando la opción "seguir de forma pública".

2.- Copiar la imagen del sorteo y publicarla en vuestro Facebook, Twitter o Blog (y si queréis compartirla en todos los sitios ¡genial... mucho mejor!).

3.- Dejar un comentario en esta entrada con una dirección de correo electrónico, para poder ponernos en contacto con vosotros y haceros llegar vuestro premio en caso de resultar ganadores.

¡SUERTE A TODOS!

Nos despedimos deseando que paséis una estupenda semana... ¡Hasta el próximo Lunes!

Música aleatoria Vs Serialismo integral

Hola a todos,
esta semana traemos un post actual que pretende demostrar que la música puede partir de concepciones estéticas antagónicas e incluso utilizar materiales compositivos opuestos y a pesar de todo producir en el espectador sensaciones similares 

La postmodernidad musical viene definida, en gran parte, por dos corrientes antagónicas, el serialismo y la aleatoriedad. A grandes rasgos se pueden definir como:

Serialismo, defensor de la sistematización del lenguaje, a través, de un férreo control y organización de todos sus elementos. Intervalos, dinámicas, emisiones, ritmos...

Música aleatoria, sus composiciones están abandonadas al azar, al empleo de signos ambiguos sin una "gramática" bien definida.  

Ante estas dos premisas pretendo demostrar en este pequeño post, como dos tendencias, en un principio totalmente opuestas, tienen estructuras y patrones de comportamiento en el oyente similares, ocasionando la sensación de indeterminación.

A continuación dejo dos pequeños vídeos de los compositores más representativos de estas dos tendencias:

Serialismo: Pierre Boulez 




Música aleatoria: J. Cage





Después de haber escuchado estas dos composiciones lanzo algunas cuestiones, ¿os resulta similar?, ¿ habríais sido capaces de identificar que pieza pertenece a la tendencia serialísta y cual a la tendencia aleatoria?.....la respuesta es sencilla no.

Esta claramente demostrado que ambas tendencias tienen afinidad en la percepción en el oyente, pero no en su gestación estética, ni formal. La música supera siempre el concepto intelectual, quedando en el recuerdo la percepción auditiva.

Un interprete puede ser más cercano a una otra tendencia por diferentes aspectos, como son, la facilidad de lectura e incluso de producción sonora, pero desde el punto de vista del oyente es difícil identificarse con una u otra tendencia debido a su gran similitud. 

Ante la música actual hemos de liberarnos de prejuicios y escuchar con la mente abierta para percibir el mensaje de una forma libre.

¿Que pensáis vosotros de estas dos tendencias compositivas?¿os ha resultado interesante la paradoja auditiva? esperamos vuestras respuestas y comentarios en el blog y también en twiter, con el hastag #SerialismoVsAleatoriedad.

Nos vemos la próxima semana. 


Adiós Vacaciones... Hola Nuevos Proyectos! Pensamientos sobre la figura del Intérprete



Se acaba el periodo vacacional y tras un descanso largo y merecido, empieza una etapa de proyectos y objetivos nuevos que poco a poco iremos descubriendo desde estas lineas. Contar las novedades de Proyecto Hélade, el nuevo enfoque de nuestros espectáculos y las actividades que iremos proponiendo para esta temporada, sera una de las prioridades de nuestros posts. Solo podemos avanzar, que se esta gestando un espectáculo teatral basado en un cuento musical con argumento de Proyecto Hélade y música del gran compositor valenciano Andrés Valero Castells.

La temporalidad de nuestros posts seguirán siendo uno semanal, aunque no descartamos aumentar la frecuencia de nuestros artículos a dos por semana. Uno de ellos con temática informativa y otro técnico-divulgativo, todo dependerá de vuestra demanda.

Después de las vacaciones elaborar un artículo técnico con un contenido muy denso, quizás no es lo ideal, pero dulcemente iremos retomando el ritmo de trabajo. Nuestra aspiración en este post es exponer algunas ideas sobre la figura del interprete y ver cuál es vuestra opinión.
  • Un interprete es un individuo que es capaz de transmitir sensibilidad, y que tiene una concepción especial de su mundo y su entorno.
  • Es un transmisor de percepciones sensitivas, un intermediario entre compositor y publico, universo y hombre...
  • En un interprete influyen: aspectos físicos, psíquicos y técnicos.
  • Todo interprete expresa a través de su talento y se mediatiza en su físico.
  • De la simbiosis entre artista e instrumento y del conocimiento profundo del mismo, y de la música a interpretar se crea una interacción entre lo subjetivo y lo objetivo.

Cuando un artista concentra en si mismo ese cúmulo de antagonismos, alcanza las dimensiones espirituales adecuadas para transmitir la música. 

A modo de conclusión podemos decir, que desde la comprensión del lenguaje hasta llegar a la composición y la interpretación, es preciso recorrer un largo camino interior que habrá llegado a su punto culminante cuando la persona sea capaz de crear y recrear obras musicales por si mismo mediante un proceso preestablecido, que a su vez genera otros procesos, base de toda actividad creativa; así podemos afirmar que lo mas importante en el Arte, a cualquier nivel, es saber lo que se hace y por que se hace. 

Nos despedimos hasta la próxima semana con la intención de haber aportado ideas libres y sanas a través de estas reflexiones y solo con la pretensión de ayudar en vuestras futuras interpretaciones; el debate queda abierto.

GRACIAS POR LEER Y COMENTAR

P.D: Os recordamos que podéis seguirnos via Twitter @ProyectoHelade, darnos un "me gusta" en Facebook, suscribiros a nuestro canal de YouTube (donde muy pronto empezaremos a subir vídeos que seguro os gustarán) y por supuesto seguir nuestro blog ¡son solo 5 segundos! Si tenéis una cuenta de google, yahoo o twitter solo tenéis que pinchar a la derecha en "PARTICIPAR EN ESTE SITIO". Os lo agradecemos ;)

LA MEMORIA

Hola a todos :)
esta semana os traemos un tema que discutimos muy a menudo... TOCAR DE MEMORIA.

¿Que es mejor... tocar con partitura o de memoria? ¿Debemos presentarnos a los concursos, exámenes o recitales finales con las partituras memorizadas? Un pianista ve esto como algo normal, sin embargo otros instrumentistas no.

Unas personas creen que memorizar las partituras aporta libertad interpretativa, pero otros dicen que tocar sin partitura genera inseguridad además de perder cierta precisión en algunos parámetros indicados en la partitura...

Nosotros no vamos a entrar en valorar que es mejor o peor, simplemente pretendemos explicar por que etapas pasa nuestro cerebro cuando memorizamos un fragmento musical.




La memoria constituye la espina dorsal de la mente del ser humano, ya que los recuerdos determinan nuestra personalidad y condicionan nuestra vida.

La memorización de un fragmento musical pasa por estas cuatro etapas:

  • IMPRESIÓN: es el recuerdo que guardamos del fragmento musical. Se corresponde con la memoria retentiva, que es el primer estadio para la memorización.
  • PERCEPCIÓN: es el conocimiento del fragmento musical. Se corresponde con la memoria constructiva donde las impresiones anteriores son clasificadas y se transforman en nuevas ideas y sensaciones.
  • COMPRENSIÓN: es la etapa que nos permite entender la clasificación anterior de los componentes del fragmento musical.
  • RETENCIÓN: es la etapa donde logramos mantener la imagen que pretendíamos memorizar.
Existen diferentes métodos de memorización: 
  • RACIONAL: por la elaboración intelectual mediante análisis musical (estilo y carácter) o análisis del lenguaje (rítmico, melódico y armónico)
  • MECÁNICA: por repetición de la digitación o sensaciones físicas y por el control auditivo.
  • ARTIFICIAL: por intuición.
 Lo cierto es que la memoria musical es imprescindible para la interiorización de la obra a interpretar, cuando se consiguen dominar todos los tipos de memoria encauzándolos hacia el mismo fin, la interpretación de la obra musical se convierte en una parte fundamental para el proceso creativo, lo cual facilita el aprendizaje musical.

¿Que hacéis vosotros para memorizar las partituras? Nos interesa conocer vuestra metodología, podemos comentar todos en Twitter con el hastag #AsiMemorizoMisPartituras puede ser enriquecedor e interesante para todos ;) 

¡Nos vemos el próximo Lunes!

Notación Musical de Vanguardia: UNIFICACIÓN GRAFICA LA GRAN UTOPÍA

Hola a todos, esta semana volvemos con un post técnico que pensamos os puede ser muy útil para la practica interpretativa por sus reflexiones sobre grafía de vanguardia y los problemas de unificación que existen en la actualidad.

La notación de la música moderna empieza a ser problemática por diversos factores, aunque una buena síntesis del problema puede reducirlos a dos solamente.

Por un lado, las convenciones del lenguaje musical en las que se basa la notación tradicional (relaciones métricas, diatónicas,...) dejan de tener validez, ya que ese tipo de lenguaje “tradicional” fija y perpetua un estadio de la composición que no se corresponde en absoluto con el presente, lleno de necesidades graficas para dar sentido a la libertad creadora de los compositores actuales, e impregnada de un fuerte individualismo característico de las corrientes de vanguardia.


 
Artikulation (1958) G.Ligeti


Esta primera razón afecta a la hora de plasmar por escrito dos parámetros fundamentales como son: la altura y la duración. Además anuncia uno de los problemas más importantes de la actualidad, y es la relación existente entre tres factores tan importantes como son: idea del compositor, imagen grafica y realización sonora. La función trasmisora que tiene la notación y la grafía, fracasa actualmente sin ninguna duda ya que cada compositor usa su propia notación e incluso a veces, lejos de querer estandarizar una notación para todas sus obras y que facilite la labor del interprete, en su búsqueda por lo novedoso y lo personal, se produce todo lo contrario, viéndose afectada la calidad de las interpretaciones de su propia música.


 
Sequenza III (1966) L.Berio


Uno de los elementos positivos que se desprenden de la complejidad de la grafía vanguardista, es la relación mucho mas estrecha que se promueve entre interprete-compositor, ya que para no tener una información parcial y sesgada de la notación de la partitura, el contacto directo con el compositor será fundamental, una vez superada y aprovechada esta coyuntura que relaciona al interprete con el compositor, habría de ser encauzada, al anhelo de la unificación de grafías, y de teorizar sobre la nueva notación de los compositores, para los instrumentos, en nuestro caso saxofón, convirtiéndose así, en una solución para los interpretes e incluso para los propios compositores que podrían plasmar sin ningún tipo de dificultad, la imagen grafica y la realización sonora de la propuesta.

En otro extremo, surgen nuevas maneras de tocar, de producir efectos sonoros, peculiaridades en campos como la dinámica, el timbre y la articulación que requiere una fijación de parámetros por escrito, claros y concisos


 
Sequenza VII (1969) L.Berio


Esta razón, parece menos importante que la anterior, ya que por muy variado que sea el repertorio de recursos instrumentales específicos que se le ocurran al compositor (sonidos al aire, efectos percusivos, armónicos, growl,...) siempre se pueden describir en comentarios añadidos e indicar en la partitura por medio de algún símbolo. Lo único que haría falta seria crear signos adicionales. Aunque en la práctica ponerse de acuerdo sobre, significado y función, es un caos ya que debido a exigencias específicas de los compositores muy justificados, como a un injustificado afán de originalidad, la unificación se convierte en algo casi imposible.


 
Siciliano (1962) Sylvano Bussotti


La notación grafica, es decir prescindir de la escritura simbólica tradicional, junto con sus significados predeterminados, puede considerarse como una posibilidad de escapar de las indicaciones específicas que la música contemporánea ha ido introduciendo. Con el fin de lograr una ejecución precisa, la notación grafica ofrece una imagen sencilla, libre de indicaciones añadidas.

En otra entrada y si vosotros lo demandais, podemos ofrecer una pequeña entrega de la evolución de los grafismos y la simbologia de vanguardia. Esperamos que con la lectura de este pequeño articulo podais reflexionar y mejorar vuestra concepción interpretativa de la música actual.

¡Nos vemos el proximo lunes!

INTRODUCCIÓN A LA INTELIGENCIA EJECUTIVA

Hola a todos,
antes de nada os pedimos disculpas por desaparecer durante este mes, pero ha sido por cuestiones de salud que poco a poco empiezan a mejorar.

Regresamos con un tema muy interesante sobre el que todos deberíamos reflexionar para "organizar" nuestra vida o parte de ella, por ejemplo dentro del ámbito de la educación (ya que la mayoría de los que nos leéis sois docentes, padres, o alumnos de grado superior) y es... La Inteligencia Ejecutiva.

Según José Antonio Marina "La Inteligencia Ejecutiva es la inteligencia que toma decisiones y que sabe aplicar el resto de los recursos intelectuales, emocionales... para conseguir metas a largo plazo que es lo que organiza todo el talento humano".



En este estupendo libro Jose Antonio Marina nos explica que la inteligencia humana es un conjunto de inteligencias que se mueven constantemente entre el umbral de la Consciencia y de la NO Consciencia. 

En la NO Consciencia se encuentra nuestra Inteligencia Generadora, formada por el Sistema Cognitivo (conocimiento), por el Sistema Motor (movimiento) y por el Sistema Afectivo (emociones). Y ante una sugerencia de la inteligencia generadora, es el Sistema Ejecutivo de la Inteligencia Ejecutiva el que se encarga de rechazar, aceptar o buscar alternativas, para pasar a la acción.

Os recomiendo leer este fantástico libro, sinceramente es útil y ayuda a ser consciente del proceso que utilizamos los músicos para "entrenarnos" y de esa manera poder progresar. Ya que si no sabemos al estudiar aplicar lo aprendido (almacenado en nuestra memoria), combinarlo y pensar a partir de ello, no seremos capaces de conseguir unos reflejos mecánicos y físicos que nos permitan no fijarnos en la técnica durante la interpretación musical y por lo tanto no existirá una espiral de creación y... nos dedicaremos a repetir simplemente lo memorizado quedando estancados en el mismo punto y por lo tanto sin poder mejorar y progresar.

1. Estudiamos una obra

2. Buscamos información sobre la obra, el compositor, escuchamos grabaciones...

3. Volvemos a estudiar (teniendo en cuenta lo aprendido)

4. La tocamos en concierto

5. Volvemos a trabajar la obra (teniendo en cuenta las emociones generadas durante el concierto, la critica del publico, las dificultades técnicas o interpretativas que hayan podido surgir)

ETC

Y de esta manera creemos que la Inteligencia Ejecutiva queda claramente explicada: Nuestra meta es tocar bien una obra, para ello, utilizamos nuestros conocimientos musicales, estudiamos (es decir nos entrenamos poniendo en practica nuestro sistema motor, con ejercicios mecánicos para no tener dificultades con los pasajes difícil), tras una interpretación (nuestro sistema afectivo, nos deja sensaciones tanto propias como por la respuesta del publico), todo se combina para volver a trabajarlo y... así ciclicamente para mejorar nuestra interpretación.

Esperamos que os haya resultado útil, que os animéis a leer el libro y que nos preguntéis cualquier duda...

Un abrazo y recordar que podéis encontrarnos en twitter y facebook, nos vemos el próximo Lunes :)

LA IMPORTANCIA DE LA TÉCNICA INSTRUMENTAL

A menudo nos encontramos con alumnos de saxofón que no tienen un mhábito de estudio de la técnica instrumental... existe un grave problema con estos chicos/as que quieren ser profesionales y es que creen con convicción que simplemente tocando y tocando las obras de arriba abajo ya es suficiente para poder hacerlo bien.

En realidad no es culpa de ellos, sino de no haber tenido un profesor que les organizase el trabajo técnico y les explicase la importancia y beneficios que un correcto estudio nos aporta.

Debemos partir de una premisa y es que: "UN ESTUDIANTE DEBE SABER ESTUDIAR" y por lo tanto el mejor regalo y aportación que puede dar un profesor es "enseñarle a aprender a estudiar" es decir, una metodología de estudio. Esta premisa es aplicable a todas las especialidades... no solo las músicales, pero sin duda en el campo que nos ocupa (un instrumento musical) es importantísimo, ya que sin un plan determinado donde sepamos por que empezar y acabar no llegaremos a ningún sitio, generará vicios (que posteriormente será muy difícil cambiar) o incluso tensiones (tanto físicas que producen lesiones como las tendinitis, así como mentales o psíquicas que pueden hacer desistir o abandonar la obra y en los peores casos hasta el instrumento).

En este post no pretendemos dar el sermón a nadie (es más, conocemos a muy buenos músicos que nos han confesado que jamás han hecho una escala en su vida...) pero nosotros pensamos que un estudio inteligente nos ahorrará tiempo y sufrimiento, al igual que estamos convencidos de que tocar bien un instrumento, en nuestro caso el saxofón, es mucho más que soplar y mover los dedos.

No existen ejercicios técnicos específicos para afrontar obras concretas, sino ejercicios para solucionar problemas técnicos que pueden aparecer en el transcurso de la obra, por eso siempre decimos que "LA TÉCNICA DEBE DE ESTAR AL SERVICIO DE LA MÚSICA"... y esos problemas técnicos como serían las primeras emisiones, los tipos de emisiones, la afinación, sonidos filados, etc, es lo que llamamos técnica de base y debemos de trabajarlos de manera regular cada día, para poder interiorizar qué hacemos físicamente, memorizar y hacer nuestros esos procesos físicos, para reproducirlos correctamente cuando nos aparecen en un pasaje de una obra.

Interiorizar esos reflejos, los hace nuestros y esto hace que cuando tocamos una obra podamos estar 100% atentos a la interpretación  a la musicalidad, a los contrastes de cambios de carácter a los elementos rítmicos y melódicos, a la aplicación del vibrato... Pero esto es absolutamente imposible si no los hemos trabajado de manera específica, detenidamente y muy concentrados.

Esperamos que este post os ayude a reflexionar sobre vuestra manera de estudiar... Si queréis podéis preguntarnos cualquier duda, o contarnos vuestra experiencia personal. ¡Nos vemos el próximo Lunes!


Amusia: ¿Misterio cerebral o musical?

Buenos días a todos, otra vez de vuelta para compartir ideas con vosotros. Antes de empezar con este nuevo post, queríamos disculparnos por no escribir el articulo del lunes anterior, pero esta terminando la temporada de conciertos y el trabajo se nos acumula, con la organización de eventos como las "I Jornadas de saxofón en Navarra", plenos de conciertos, conferencias y master-class. A continuación os dejo un pequeño cartel con la información de estas actividades. Os invitamos a asistir, ya que es abierto a todo el público que quiera conocer y disfrutar del saxofón.



El post de esta semana es realmente interesante y abarca un mundo aún por explorar. Estará centrado en ese misterioso y excepcional órgano que dirige y controla todo nuestro cuerpo aunando aspectos psíquicos y físicos.

Nuestro cerebro tiene como misión crear, esto nos diferencia de las demás especies. Todas nuestras culturas han necesitado, tallar, pintar, bailar...En la actualidad ignoramos la "finalidad biologica" que tiene la musica probablemente su función fundamental sea de cohesión social y su ventaja no sea individual, sino del colectivo. Aunque solo algunos individuos se convierten en expertos musicos todos tenemos experiencia de ella, llegando incluso a convertirnos en grandes melomanos desde la infancia.

En cada cultura la vivencia de la música es similar. Establece un sistema de comunicación dirigido a la afectividad del oyente pudiendo despertar respuestas afectivas dentro de un sujeto no especialmente educado para la audición musical. Aunque se puede decir que todos padecemos en cierto modo "amusia cultural" para la percepción de ciertas melodías que son muy apreciadas en otras culturas pero extrañas en otras.

El término «amusia» se lo debemos a Knoblauch que también diseñó por primera vez un modelo cognitivo para el procesamiento de la música basado en un modelo diagramático, tal y como se venía haciendo con los procesos lingüísticos. Él asumía que la amusia sólo se produciría en músicos(1)
Se define como amusia el defecto neurológico que supone una alteración en la percepción auditiva, lectura, escritura o ejecución musical y que no es debido a alteraciones sensitivas o motoras. El término suele reservarse para aquellos defectos que aparecen aislados y se deben a una lesión focal o al menos inicialmente focal, siendo menos utilizado cuando el defecto se relaciona con una demencia o con una enfermedad psiquiátrica. Se utiliza el término amusia congénita para describir a los sujetos que son incapaces de reconocer las melodías o discriminar la diferencia entre los tonos, sin presentar ningún otro defecto neurológico y habiendo tenido una adecuada exposición al ambiente musical(2).
La amusia es un motivo de queja muy infrecuente salvo en músicos profesionales ya que los deficits que provocan son escasos pero debido al interés del procesamientos de la música en el cerebro se han descubierto diferentes aspectos muy interesantes en la gente que padece este pequeño trastorno.

La identificación de la melodía de una pieza musical bien conocida, se basa principalmente en el reconocimiento de la alternancia de los intervalos con una distancia relativa entre ellos, lo que nos permite diferenciar entre los mas agudos y los graves. Esta distancia debe mantenerse aunque se modifique el tono inicial de la obra, no es tan importante que la nota inicial sea "Do" o "Fa" si las distancias relativas con las notas siguientes es la misma, ya que ambas conservaran el mismo esquema melódico.

Únicamente las personas con oído absoluto son capaces de distinguir y por lo tanto nombrar correctamente  el tono percibido de la melodía.

De este modo una partitura se compone de "motivos" que se agrupan "frases" acentuadas de una manera determinada, lo que nos permite identificar el componente de temporalidad del mismo, y que son perfectamente identificables cuando reaparecen en el transcurso de la pieza aunque sean modificados el resto de los componentes "no básicos" (ritmo, tiembre...).

Es preciso e importante reconocer este tipo de problemas en alumnos que empiezan a estudiar música de forma profesional, pues las limitaciones que este trastorno provoca tendrán que ser afrontadas por el docente de forma específica para garantizar el éxito del alumno a nivel académico.

Esperamos que os resulte interesante esta pequeña aportación y desde aquí animamos a docentes, alumnos  y padres a investigar sobre el tema para una mejora en la calidad de la educación musical. Nos vemos la próxima semana. 

(1)Knoblauch A. On disorders of the musical capacity from cerebral disease. Brain 1890;13:317-340
(2)Peretz, I, & Coltheart, M. Modularity of music processing. Nature Neuroscience 2003;6(7):688-691

TIPS TECNOLOGICOS

¡Hola a todos! 
Otra vez estamos de vuelta tras unas estupendas vacaciones revitalizadoras para afrontar con energía los nuevos retos y proyectos de este bonito 2013. Como habréis podido ver en el blog, ofrecemos nuevos conciertos en Pamplona, Madrid y Burdeos (Francia). El post de hoy tratara sobre algunos aspectos tecnológicos que debemos conocer para realizar grabaciones, montajes de vídeo, y diversos programas de retoque fotográfico online, útiles para editar nuestros actuaciones musicales en directo.

Existen diversos aparatos de grabación en el mercado con unas prestaciones increíbles por un precio bastante ajustado. Pero hagamos un  poquito de memoria, podemos remontarnos al magnetofón y la grabadora de cinta, pero es un poco lejano y poco operativo para ilustrar el post. Por ello, nos centraremos en fechas más cercanas aunque ahora mismo suenen casi a prehistoria, no hace mucho tiempo todo el mundo hablaba del minidisc y la calidad digital como elemento imprescindible para obtener una buena grabación, sumada por supuesto a un buen microfóno. Evidentemente el resultado de esta combinación era excelente pero también algo desproporcionado para nuestro bolsillo. En la actualidad existen formatos más fáciles de tratar y almacenar (Mp3 / Wav...)con calidad similar al de estos aparatos de minisdic, con la gama de grabadoras que presentan marcas no muy conocidas pero excelentes en su rendimiento y prestaciones calidad / precio como son Zoom y Tascan.







Nosotros somos de Zoom y concretamente utilizamos para audio la Zoom H4n y para Vídeo en HD la Zoom Q3 HD, con estas grabadoras se pueden obtener resultados de una calidad inmejorable. 






Lo que destacaríamos, a parte de su calidad de grabación, es la facilidad para convertir y trasformar el formato de audio; directamente se puede volcar al ordenador a través del USB y empezar a tratar las grabaciones con diferentes programas de edición de vídeo desde los mas elementales como es Movie Maker hasta los más profesionales como son Pinacle o Sony Vegas.







Existen otras aplicaciones de vídeo online para editar vídeo como Animoto, de una facilidad extrema y con unos resultados excepcionales. Fue el programa que utilizamos para elaborar nuestro vídeo de presentación.



Si utilizamos fotos para completar los montajes de vídeo se pueden utilizar algunos programas de retoque fotográfico que nos aseguran acabados perfectos, los que más usamos habitualmente son el PicMonkey y PhotoshopExpress, con ellos elaboramos los programas y carteles de nuestros espectáculos, son herramientas básicas pero tremendamente útiles.

Quizás podríamos hablar del mundo de la difusión y la publicidad a través del social media en redes sociales para la promoción de los espectáculos pero si queréis saber más de este tema en post sucesivos hablaremos de ello. 

Hasta el próximo lunes ¡no olvidéis poner la tecnología al servicio de vuestra necesidades es un recurso que debemos aprovechar!